DE LA MALDICIÓN DE LOS HOMBRES MALBORO

Me lo recomendaron por diferentes sitios así que después de ponerme la segunda dosis de la vacuna me dirigí a unos de los mejores lugares del mundo, al teatro a ver "La maldición de los hombres malboro" en  la Latina.

Tengo que decir que no estaba muy segura de lo que iba a ver y lo que me encontré me fascino, un espectáculo de danza contemporánea, en el que nos cuenta y nos muestra el comportamiento masculino, el que aun se inculca a los niños que deben ser HOMBRES por encima de todo. Ese rol que en muchas ocasiones no les permite ser como ellos quisieran y que, a veces, causan desgracias y problemas a ellos mismos y a quienes les rodean.

Isabel Vázquez, que es la directora y coreógrafa  y que está acompañada en los textos por Max Arel Rafael y en la dramaturgia por Gregor Acuña-Pohl, nos muestran, de forma brillante, la incapacidad emocional del hombre. Lo hace en cuatro pasos diferenciados (o por lo menos es lo que yo entendí)

Primero nos muestra al hombre que todos tienen en su interior, el que no les permite la sociedad que salga, que será el que influya en los demás para que muestren lo que realmente son, la esencia

Segundo, en este paso podemos ver los hombres que la sociedad quiere, el macho man

Tercera la crisis, donde existe esa pequeña revelación de lo que son y de lo que pueden ser, porque realmente lo llevan en su interior y sólo deben dejarlos salir.

Finalmente vencer a la sociedad y ganarse para si mismos

Los interpretes están maravillosos en todos los niveles, destacar a uno sería injusto porque son una perfecta máquina engrasada, sus nombres son: Álvaro Copado, Arturo Parrilla, Baldo Ruiz, David Barrera, David Novoa, Indalecio Seura, Javier Pérez y Maximiliano Sandford

La mala noticia es que sólo están hasta el 4 de julio, así que si quieren disfrutar (y les garantizo que lo harán) deben ir rápidos. Recuerden que el teatro es seguro y sobre todo, mágico.

DE BAMBALINAS DE ANTOINE

Hace nada viaje a Valencia y fui al teatro Olympia, representaban "Antoine"

Mi tía me enseñó, que cuando vaya a ver una función compre butaca, fila cuatro o cinco y centradas. A mi me gusta más en el pasillo, supongo que por llevarle la contraria.

Cuando fui a comprar mi localidad, la única que me cuadraba era primera fila en el lado izquierdo, esquinada. Veía bien, tan solo que perdía un poco de visión de mi lado izquierdo, pero gane más por el lado derecho.

Y pude disfrutar de momentos, que pocos pueden ver, lo que se cuece entre bambalinas. Lo que ocurre pocos segundos antes de que los actores y actrices salgan a la luz de los focos.

Afortunadamente había visto Antoine anteriormente, y eso me ayudó a poder estar atenta a todo lo que ante mi ocurría.

Segundos antes de empezar pude ver al elenco preparado pasa salir, miradas cómplices, gestos de seguridad y concentración plena y...a pisar el escenario.

Reconozco que seguí observando, aunque sin dejar de disfrutar de la música y de las interpretaciones. Era mágico. 

Segundos antes de verlos sobre el escenario, podía vivirlo. Ver, por ejemplo, a Alberto Vázquez en la línea de salida, concentrado y sonriente con sus compañeros, en sus varias entradas y salidas, cambiar sus personajes en segundos...repito para mi era mágico.

Pero igual que con Alberto pude disfrutar con Paula Moncada, Vicenç Miralles o Víctor Massan, los nombro a ellos porque son quienes más movimiento sobre el escenario tienen. 

Así que, en cierta forma, disfruté de un espectáculo 360.

Pude vivir una obra como "Antoine" que en mayo volará a Barcelona, y que después seguirá con su gira, y que, recomiendo a todos porque disfrutas con la música, las actuaciones, el montaje, el texto...les aseguró que les llegará al alma.

Y pude ver las bambalinas, ese lugar donde los espectadores, o al menos yo, sueñan con estar y poder ver la función desde ese punto de vista.

Y para terminar les recuerdo que LA CULTURA ES SEGURA, EL TEATRO ES SEGURO

DE RITA

Hoy sábado he decidido ir de nuevo al teatro, ha sido al Infanta Isabel y he visto la obra "Rita" cuyo texto es de Marta Buchaca, texto ágil, divertido, a ratos, e intenso.

La historia que nos cuenta es la de dos hermanos Julia y Toni. La primera es incapaz de tomar ninguna decisión en su vida, pero si es capaz de tomarla por los demás. Su hermano Toni, siempre ha sido libre y aparentemente no le ha importado tener que tomar decisiones, lo hace de forma práctica hasta que una dura decisión le hace dudar. Rita, es la madre de ambos. Rita es la perrita de Toni.

Esto nos muestra la relación que los dos hermanos han mantenido a lo largo del tiempo, la relación que nace de como su madre los trataba. La relación que el ser humano mantiene cuando la muerte empieza a formar parte cercana de la vida. La autora nos muestra como ante el sufrimiento animal la decisión, no es fácil, es muy dolorosa, pero se hace por amor hacia ellos. Pero ante el sufrimiento de un ser humano ¿cómo reaccionamos? No estamos ante una obra que hable de la eutanasia en sí, sólo nos hace pensar lo que el ser humano sería capaz de hacer por amor.

La dirección de Lautaro Perotti consigue que el texto nos vaya dejando sonrisas pero también momentos de ternura. Los actores se mueven sobre el escenario como peces en el agua, lo que denota una dirección muy trabajada.

La escenografía, con esos biombos que nos van llevando por los diferentes sitios, con una luz suave y colores que constantemente nos recuerda al cielo. Todo junto trasmite tranquilidad, paz al espectador que va aceptando los cambios con naturalidad. Los objetos que representan a las Ritas son tan claros que incluso las logras ver.

En cuanto a la interpretación de Carlos Hipólito y Mapi Sagaseta. Que puedo decir de Carlos Hipólito, que no haya dicho ya en cada una de las obras que he tenido la suerte de verle, la naturalidad que tiene este actor no es explicable. La construcción del personaje, con una vis cómica que te hace sonreir e incluso reir, para pasar luego a la emoción, es tan perfecta que finalmente crees estar frente a un amigo.

Mapi Sagaseta, no lo tiene nada fácil y consigue, con una interpretación serena, tranquila, que su personaje, que es quién más conflicto consigo mismo tiene, lo muestre más con gestos, interactuando con su entorno e incluso, de dentro a fuera, con su personaje. Esto hace que se acerque a los espectadores, que consiga que sientan su desasosiego ante una situación a la que no sabe enfrentarse y tomar una decisión.

En resumen en "Rita" vemos hablar de la muerte, pero de una forma que no asusta a nadie, que cuando sales hablas de ello sin sentirte incomodo. Y pienso, que eso es precisamente lo que la autora quería.

Pues, pueden verla en el Infanta Isabel hasta el 28 de marzo. Yo no me la perdería, si puedo repetiré, y les garantizo que saldrán pensando lo mismo.

Y de nuevo diré algo algo que creo ya sabemos todos: LA CULTURA ES SEGURA, por favor disfrútenla.

DE EL PRINCIPE CONSTANTE

De nuevo he vuelto al teatro, uno de los lugares más seguros que pueden existir, más exactamente, al Teatro de la Comedia, uno de los más bonitos de Madrid. He visto, interpretado por la Compañía Nacional de Teatro Clásico, "El príncipe Constante" de Calderón de la Barca.

Es una obra poco conocida del autor, escrita cuando era muy joven y que aun no había llegado a su madurez. Madurez que alcanzaría con "La vida es sueño", pero no por eso, esta obra que actualmente está en las tablas de de la Comedia, es menos interesante.

Lo que en ella cuenta Calderón es la lucha, que entre los años 1437 y 1443, los portugueses y los moros mantuvieron para conseguir, cada uno para su reino, la parte norte de África, más concretamente se habla de Ceuta . En una de esas escaramuzas, cae prisionero el Infante Fernando, que sólo será puesto en libertad cuando al rey musulmán le sea entregado Ceuta. Este Infante, se niega en todo momento a que eso ocurra, anteponiendo su fe cristiana y su amor al rey a cualquier otra situación. Finalmente muere en cautiverio.

La dirección es sobria, tal y como exige la obra, Xabier Albertí no da excesivo movimiento a los personajes, no hace falta porque la fuerza de esta historia está en la palabra, en los versos que desgranan los actores y actrices. En ellos radica toda la fuerza, porque la escenografía de Lluc Castell es también austera: la arena que representa el desierto y la playa, una pared ocre que lo mismo representa una fría mazmorra, que un bonito patio en un lujoso palacio.

Lluc Castell es también la diseñadora del vestuario. Las vestimentas son modernas, queda correcto porque Calderón no hace distinción entre culturas, y las vestimentas tampoco. Aunque, si se me permite la licencia, deberían diferenciarse un poco más, en ocasiones se pueden confundir.

Voy a destacar el verso, que viene de la mano de Vicente Fuentes. Consigue que el alma de los actores y actrices estén en él, que desde el principio, el oído se adapte a esta forma de hablar que, actualmente, se nos hace tan complicada.

Respecto al trabajo de los actores: Jonás Alonso, Íñigo Álvarez de Lara, Beatriz Argüello, Rafa Castejón, José Cobertera, Lara Grube, Lluís Homar, Álvaro de Juan, Marina Mulet, Arturo Querejeta, José Juan Rodríguez, Egoitz Sánchez, José Juan Sevilla y Jorge Varandela están todos perfectos. Dicen sus versos con pasión, trasmitiendo el alma y la vida de sus personajes. Y los músicos, que los acompañan sobre el escenario, dan fuerza y poder a las situaciones que hay que remarcar traspasando con más fuerza las baterias.

Pero permítanme que destaque a dos:  Lluis Homar que interpreta al Infante Fernando, en momentos consigue, con la fuerza y magnetismo de su interpretación, que el resto de los personajes se detengan y que sólo tengas tu mirada en el maltrecho Infante. Y, quizás como contrapunto, nos encontramos con Arturo Querejeta, que interpreta al  rey moro, mantiene con fuerza el pulso a Homar y nos hacen disfrutar de enfrentamientos dialecticos impresionantes.

Si les gusta el teatro clásico, si quieren conocer un poco mejor a Calderón, tienen la oportunidad de verlos en el Teatro de la Comedia hasta el 10 de abril. Se lo recomiendo como una buena apuesta para pasar la tarde en, lo repito de nuevo, uno de los lugares más seguros: el teatro

DE MARIANA PINEDA

En el Teatro Español podemos ver la obra de Federico García Lorca "Mariana Pineda"

En ella se cuenta la historia de una mujer que lucha por sus ideales, que elige estar en el bando de los que deciden ser consecuentes con sus ideas y que, pase lo que pase, se mantienen firmes en ellos. También, vemos personajes que se mantienen firmes, pero por todo lo contrario, porque deciden no moverse, no arriesgarse.

Mariana Pineda no es de las obras más representadas de Lorca, conocida pienso que sí, pero se ha visto sobre el escenario menos que "La casa de Bernarda Alba" por citar alguna. Como en todas sus obras la intensidad la podemos notar en la palabra, en los diálogos. Si bien es cierto que, también, sentimos al más puro Lorca en el final trágico de la protagonista o en el folclore.

El director, Javier Hernández Simón, que es, también, quién realiza la adaptación; juega perfectamente con estos elementos. En el montaje nos acerca mucho a la parte más intelectual de la obra. Y se agradece.

Los actores y actrices, están capitaneados por Laia Marull que interpreta a una Mariana Pineda bien defendida y que llega a su punto más alto, al final de la representación, que es donde hace falta. 

Aurora Herrero, su interpretación es tranquila, sobria, logra trasmitir verdad.

Marta Gómez, hay que destacar su fuerza.

Silvana Navas, Óscar Zafra, Sara Cifuentes, Alex Gadea, tienen verdad.

En conjunto podemos ver una obra redonda, que disfrutas y gusta. La tienen a su disposición hasta el 7 de febrero en el Teatro Español.

Recuerden siempre: LA CULTURA ES SEGURA

DE LA REGENTA

En esta entrada voy a recordar, como en otras ocasiones, una obra ya vista. El otro día observé que mi madre estaba leyendo la Regenta, y recordé una versión que pude ver hace unos años, creo que fue sobre el 2012, en los Teatros del Canal.

Todos y todas conocemos lo que Clarin narró, lo sucedido en una ciudad llamada Vetusta, a una mujer: Ana Ozores. Cómo su vida es juzgada de forma, digamos poco amable, por la ciudad donde habita. Escrito con exquisitez por Alas Clarin, es una historia triste de infidelidad, de amores que destrozan...

Reconozco que cuando decidí ir a verla, lo que me encontré no era exactamente la idea que tenía. Pero no puedo decir que no me gustara, al contrario, me pareció interesante.

La dirección estuvo en las manos de Marina Bollain, que, también, fue quién  la versionó junto a Vanessa Montfort.

Lo que me sorprendió, fue que no encontramos la ciudad descrita por Clarin, si no un plató de televisión. La población de Vetusta deja paso a los televidentes, que no son mejor, ni piden menos sangre.

Ana Ozores, que está casada felizmente con Víctor Quintanar, mantiene una relación con Álvaro Mesia, actor amigo de su marido, gracias a Visitación que hace de celestino.

Además del cambio al plato, hay otro importante (que me pareció adecuado y acertado) Fermín de Pas, en esta versión, es un psicólogo con la misma avidez de control sobre Ana que el clérigo de la novela.  Será Fermín, en ese afán, quien hablé con Petra para darlo a conocer en su programa de televisión.

Por allí pasarán todos los personajes de esta triste y patética historia, irán desgranando sus versiones, lo más cruel es que incluso Ana lo hará, el por qué...creo que cada espectador tenía su explicación. Sólo, su marido, ante la vergüenza e incapaz de afrontar la situación, prefiere pegarse un tiro.

Los actores estuvieron perfectos, daban miedo y rechazo. Mariona Ribas como Ana Ozores, David Luque como Fermín de Pas, Chiqui Fernandez como Petra, Alberto Vázquez como marido engañado, Paca López, Raúl Sanz y Ángel Savin, fueron un conjunto perfectamente orquestado y que consiguieron hacernos ver lo que Marina Bollain nos quería mostrar: 

Que da igual la época en la que estemos. Las miseria humanas, el chisme, el hablar porque alguien me lo ha dicho, sin preocuparse de saber si es verdad o no, o el daño que se pueda causar, es algo que pasará en todos los tiempos. La Regenta siempre será una obra de actualidad.

DE ACTRICES Y ACTORES DE DOBLAJE

 

Tal y como os anticipé en la entrevista con Pilar Coronado, llega la segunda parte en la que nos explicará como se trabaja en el mundo del doblaje, espero que os guste tanto como a mi conocer lo que las actrices y actores, junto con un equipo amplísimo, hacen para que nos divirtamos y emocionemos con las series y películas.

P: ¿Cómo funciona lo del doblaje? ¿Cómo se meten en los personajes para interpretarlos?

Cuando llegamos al estudio de doblaje entramos en sala, y en el atril hay un guion, que no hemos visto anteriormente. Un guion que tras la entrega del traductor, el director lo ajusta utilizando las palabras que tienen el mismo significado, para que encajen mejor en los labios del original a la hora de doblar. Ahora entras tu solo en sala, con distanciamiento con el director y el técnico, y graban lo tuyo en banda aparte, higienizando atriles y micro cada vez que alguien los usa. 

Tengo que decir, que cuando llegas a realizar un doblaje, de inicio, es un poco frío porque tu entras en la sala  y te explican, por ejemplo, que eres una mujer que va a ser asesinada. El  director te comenta un poco el argumento; eso si eres personaje principal, si tu personaje es esporádico (como por ejemplo una mujer que compra el pan) por supuesto, no te explican nada. Otro hándicap es, que cuando se inician las escenas para que las dobles, no siempre se empieza por el principio, puedes comenzar en mitad del asesinato o con el final de la película. Como anécdota decir que puede que tengas, a las ocho de la mañana y en frío, pegar un grito de los escalofriantes.

Las escenas te las ponen dos o tres veces, y de esa forma vas midiendo y aprendiendo el texto, las pausas, etc… Es una técnica de sincronización que vas aprendiendo. Cuando mejor es el actor o actriz original, mejor te llevará a una buena interpretación. Si el original, no es muy bueno puede que tú lo mejores dentro de sus expresiones.

Pilar Coronado

Ahora, con la pandemia, se empiezan a usar muchos los cascos, pero a mi no me gusta porque cuando te llega la indicación de que va hablar, casi siempre entras un segundo más tarde. Yo prefiero mirarles a la cara, o mejor dicho, mirarles a los ojos como me dijo el gran actor y director de doblaje Simón Ramírez.

P: Aprovecho para preguntar si me puede comentar que personajes has mejorado con tu interpretación si lo comparamos con el original

Pues al principio que comenzaban las series, tipo “Santa Bárbara”, tengo que decir que no lo hacían mal del todo.  “Cosas de casa” estaba muy bien interpretada por los actores originales.

Pero si te diré que las series que se ruedan con pinganillo, y que les dicen las frases en el momento dificultan mucho a la hora de interpretar, esto aun lo hace algún país que otro.

En España, en un rodaje, no se entiende hacer una serie o película con pinganillo como en algunos países.

Yo he llegado a llorar, a emocionarme doblando un personaje, te emocionas porque lo vives, lo sacas desde la boca del estómago y dentro del personaje original lo haces, también, tuyo

P: En España el doblaje es una tradición ¿Cree que se puede ir perdiendo?

No creo, en televisión tenemos las opciones de verlas como quieras. Aunque es muy recomendable saber bien el idioma si no quieres perder las expresiones del actor o actriz.

De todas formas no somos el único país que doblamos, Italia, Alemania, Francia…también lo hacen.

P: Me está descubriendo un mundo donde existen multitud de personas. Es decir, que para realizar un doblaje pasa como en el teatro, vemos a los actores pero hay mucha gente sustentando su trabajo.

Así es, por ejemplo, uno de los más importantes es el jefe de producción. Es el que se encarga de que todo vaya rodado, que comiences a la hora que te han dicho, que si hay retraso lo sepas para que te vayas adaptando…es un director de orquesta, es el motor tiene que conseguir que salga bueno, bonito y económico para la empresa que quiere hacer el doblaje. Me gustaría nombrar a unos de los mejores, que desgraciadamente ya falleció, Antonio Sardinero.

También están los técnicos de sonido que son una base imprescindible para que todo salga bien.

Conclusión, es una gran cadena que si falla un eslabón los actores no podemos poner la guinda.

Muchas gracias Pilar por mostrarnos un poquito del fascinante mundo del doblaje, por enseñarnos que las actrices y actores de doblaje son auténticos intérpretes. Que prestáis vuestra voz, vuestros sentimientos, vuestras interpretaciones a diferentes caras, para que podamos disfrutar y emocionarnos.